Christelle FROBERT

"J'irai danser sur sa tombe"
Techniques mixtes dont collages

30 x 24 cm

2015

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Christelle FROBERT 

Gilles ANDRÉ

Sans titre

Crayon, encre et gouache sur papier

24 x 16 cm

2015

Sans titre

Crayon, encre et gouache sur papier

24 x 16 cm

2015

Sans titre

Crayon, encre et gouache sur papier

24 x 16 cm

2015

Sans titre

Crayon, encre et gouache sur papier

24 x 16 cm

2015

Sans titre

Collage, crayon, encre, gouache et grattage sur papier maltraité
21 x 15 cm
2010

Sans titre
Collage, crayon, encre, gouache et grattage sur papier maltraité
20,4 x 14,5 cm
2010

Sans titre
Collage, crayon, encre, gouache et grattage sur papier maltraité
21 x 15 cm
2010

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 Gilles ANDRÉ

 

INGA

 

 "MoM"

Acrylique, encre, crayon et collage

sur papier 290 gr grain toilé

19 x 25 cm

2015

"Face à face"

Acrylique, encre, crayon et collage

sur papier 290 gr grain toilé

25 x 19 cm

2013

"Celui-là lui tient à cœur"

Acrylique, encre et collages sur papier 300 gr

22 x 15 cm

2006

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INGA est née en 1966 en Finlande. Elle vit et travaille dans le sud de la France depuis 1994. Elle est autodidacte et consacre ses moments libres à la peinture.

KABIAN

 

"Jeux de guerre"

Encre de Chine et feutre sur papier fort

40 x 40 cm

2013

"Perturbation magnétique"

Feutre sur papier fort

40 x 40 cm

2013

Sans titre

Acrylique, encre de Chine et feutre sur carton 

26 x 21 cm

2013

"Personnages variations"

Encre de Chine, feutre et aquarelle sur papier 250 gr

22 x 16 cm

2013

Sans titre

Feutre sur papier 250 gr

22 x 16 cm

2013 

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Un peu de moi...

Je ne ressens pas le besoin de parler de moi, mes dessins le font à ma place. Mais si je ne m'évoque pas un peu, je redoute que certaines informations n'apparaissent en décalage avec mon intime réalité. Exprimer relève de l'essentiel. Je vais donc tenter de parler de cette peinture qui coule dans mes veines. Pour moi bien sûr, mais également et je dirais surtout,... pour ceux qui suivent mon travail depuis l'époque où je n'étais encore qu'une ombre et ceux qui me découvrent. J'en profite pour les remercier.
Mes dessins ont pris une proportion suffisante, comme un signal qui me chatouillerait les idées. Alors il est peut-être temps que je fasse cet effort-là d'écrire. Ma relation à l'écriture est ambiguë : j'aime écrire - surtout des mots d'amour -, mais c'est souvent au détriment de ma peinture. L'écriture vole mon inspiration à l'étalage du temps. Pour cette raison, je peins et dessine beaucoup, mais écris peu. Dans un élan tout naturel, je consacre à ma préférence le temps imparti de chacune de mes journées.
Il y a ceux qui aiment mon travail, dans le respect et la douceur. Aussi sensibles que je peux l'être, ils vibrent au premier regard et cela les contente car ils ont deviné l'intime. Pour ceux qui interprètent d'une façon personnelle mon identité artistique, je ressens aujourd'hui le besoin de semer de jolis cailloux colorés, pour jeter entre eux et moi un petit pont de mots. Je dois leur faire comprendre le soleil qui m'anime, d'où me vient mon inspiration, ce qui fait mon identité.
Chaque artiste est un alchimiste. Qu'il en ait conscience ou non, qu'il le veuille ou qu'il s'en écarte, il reçoit l'héritage de ses pairs. Son oeuvre devient dès lors un mélange d'influences, de vécu et de rage. Pour ma part et avec le recul, j'apparenterai mon travail à celui d'Asger Jorn, l'un des artistes expérimentaux du Mouvement CoBrA. Toute modestie mise à part bien sûr...
Je suis né dans une famille d'artistes, peintres depuis trois générations. Autodidacte, je peins pour exister. Pour me sentir aimé. Et si dans ma passion je cherche un peu de reconnaissance, celle-ci est rarement synonyme de succès mais plutôt de scintillement : celui que je perçois dans le regard de ceux qui apprécient ce que j'ai peint. De nature généreuse, j'offre dans mes peintures la totalité de mon être. Enhardi par goût de l'aventure, j'explore les sentes de la création, plus rarement ses boulevards. Mes thèmes récurrents abordent des personnages variation. J'aime aussi travailler sur le regard, l'ouïe et l'odorat. Sur le non perceptible et le peu quantifiable. Aborder des thèmes comme l'imperfection humaine et la métaphysique, sont des exercices qui m'enchantent. Peindre est devenu pour moi aussi nécessaire que de respirer.
Depuis deux ans, je peins et respire dans le Luberon. 

KaBiaN

JABER

"Ségolène Royal Candidate"

Gouache sur carton

32 x 25 cm

2007

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Artiste autodidacte découvert par Jean Dubuffet, Jaber El Majoub est né en 1938 dans une famille de bergers de M'Saken dans la banlieue de Sousse en Tunisie. En 1958, il prend la direction de Marseille et y travaille comme boulanger avant de monter à Paris deux ans plus tard. L'après-midi, il vend ses gouaches place St Michel. Ses talents de chanteur-auteur-compositeur lui ont ouvert les portes du Petit Conservatoire de Mireille. Il enregistra deux 45 tours chez Pathé-Marconi. Quelques années plus tard, il fut découvert par une riche américaine qui lui fit traverser l'Atlantique. Ils se marièrent et elle lui offrit une galerie bien placée à San Francisco. Au bout de quelques mois, la galerie était devenue le lieu de rendez-vous de tous les adeptes de la scène flower-power. En 1971, Jaber obtint le premier prix de peinture parmi 800 candidats au Plainfield Art Festival. Il devint célèbre, mais son mariage fut un échec.

Retour à Paris. Il expose en 1977 à l'American Center of Artists ce qui relance sa carrière. Ses amis et collectionneurs organisent pour lui de nombreuses expositions. Mais à la fin des années 1990, les galeries qui le soutenaient doivent fermer. La crise n'épargne ni les artistes, ni les marchands. Alors il vend ses gouaches dans le quartier Beaubourg, nouveau haut lieu de l'art contemporain. 

Jacques ROUBY

 Stylo pointe fine (encre non permanente)
sur papiers superposés, humidifiés, mis sous presse
puis imbibés de paraffine liquide
20 x 30 cm

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Texte de Lauranne

« Né en 1953, Jacques Rouby peint depuis plus d'une vingtaine d'années. Après une première exposition au Casino de Saint-Céré qui lui valut les éloges de la presse et de la critique, il s'exile à Paris, choisissant de ne vivre désormais que de son art. Caricaturiste sur le Parvis "Beaubourg" devant le Centre Georges Pompidou, il renonce à une vie facile pour rejoindre Collioure, où il peint sur le bord de mer.

Bientôt, cette eau le mènera à y immerger ses œuvres : des cartons, des papiers couverts de pigments, que la mer a tôt fait d'emporter. Fasciné par la richesse et la lumière des peintures qu'il retire de l'eau, il réalise dans le même temps l'éphémère de la chose, car les teintes pâlissent à la lumière du jour et perdent leur brillance en séchant.

Jacques Rouby continue sa recherche...

Ainsi en est-il des gants de latex d'où il tire de somptueuses compositions. Ces gants sont ceux qu'il utilise dans son travail, sur d'autres œuvres, pour se protéger les mains. Ce sont d'authentiques gants de travailleur, sur lesquels les pigments, les colles, les poussières de carton ont laissé leurs empreintes. Jacques Rouby leur redonne vie grâce à des installations, où ils acquièrent la grâce des fleurs et des papillons.

Les oeuvres éphémères de la Nature et de l'Homme se rencontrent...

C'est l'usure..., la dégradation. Pour Jacques Rouby, les ruines ont une signification autonome. Ses œuvres parlent, comme une vieille maison dont il ne reste plus que des pans de murs noircis. Nous savons que des gens ont habité là. C'est ce qui rend la dégradation émouvante. Les ruines sont portées au rang de vestiges.

La destruction fait partie intégrante de la démarche créative de l'artiste. Ainsi, aboutissait-il autrefois à la destruction complète de son travail. Maintenant, cette destruction est inscrite dans l'œuvre, qui est dégradation, destruction, voire putréfaction. Celle-ci n'a plus besoin d'être détruite pour dire.  Les œuvres  de  Jacques  Rouby  sont, comme il le dit lui-même, « Déchets d'Oeuvres ».

L'usure est un mouvement, la vie quasi-autonome des matériaux : une dynamique interne qui règle toute vie.

Pour la plupart, les travaux de Jacques Rouby ne portent pas de titre. Il y en aurait trop, l'œuvre changeant de signification à chaque fois, à chaque nouvel événement : un accrochage, une exposition, voire une nouvelle intervention de l'artiste... Donner un titre reviendrait à bloquer cette évolution naturelle, ce double travail de l'artiste et du temps, ces frères siamois ! »

Valérie DEPADOVA

"Le chien à roulettes"

Acrylique, collage, pastel et encre sur toile

24 x 32 cm

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De son enfance passée à Bou-Haroun sur la côte algérienne, Valérie Depadova conserve des images paisibles. Sensible à la chose esthétique, son père rapporte d’Afrique noire des objets qui fascinent l’enfant : il en naîtra un travail pictural aux surprenantes connotations ethniques.

La terre d’Afrique est une source inépuisable ; reflet d’une identité qui affleure, c’est elle qui va nourrir l’inspiration. La stylisation des formes humaines et leurs disproportions, les lignes protubérantes ou ramassées, les postures souvent asymétriques mais toujours dynamiques des personnages, rappellent la statuaire africaine. Il émane de cette approche personnelle et rythmée de notre anatomie, un sens de vitalité et de force qui illumine chaque composition.

Si un étrier de poulie devient corps, c’est qu’il y a un message à transmettre… Et puis il y a cet œil. Cette représentation incontenue de l’œil offert au vide dans le triangle des visages. Paré pour la croisade, l’iris exorbité part en quête d’une vérité qu’il veut panoramique. Cet œil propulsé bien au-delà de sa fonction, n’est pas sans rappeler la pupille ésotérique d’Horus.

Vecteurs de pulsions résurgentes, les toiles aux sujets déportés invitent les regards à une lente évolution. Par son aptitude au renouvellement, Valérie Depadova relie l’art aux évènements les plus importants de la vie, donnant ainsi à ses œuvres une dimension sociétale.

Dans cette peinture qui se concentre sur les êtres vivants - humains et animaux mêlés -, les pensées en révolte de l’artiste s’expriment sans concession. Dans une grande vitalité d’expression et au travers de titres évocateurs qui nous suggèrent l’évidence, on nous demande de réfléchir. Ainsi nous sont livrées, à peine déguisées, les interrogations du peintre sur notre monde prédateur.

Dans un univers expressif et ocré où la spontanéité participe à une vive émotion esthétique, les bouches creusées dans les visages émettent des rugissements silencieux. On le constatera : le style de Valérie Depadova accepte les variations individuelles. La liberté des formes, l’articulation anguleuse des pleins géométriques, n’évoquent-ils pas certains élans cubistes... Les peintures singulières de cette artiste sont celles de l’esprit vivant. Car ce qui nous est montré, va bien au-delà du regard et peut mener jusqu’à la transe.

Dominique Peloux-Raynal

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"Home, sweat home" 

Acrylique, graphite, collage et encre de Chine sur toile

30 x 40 cm 

FARAVEL

"Tête bleue"

Crayons de couleurs sur papier Canson noir 

70 x 50 cm

Mai 2007

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La peinture de Marie-Jeanne Faravel renouvelle une émotion humaine attachée à des contenus ancrés dans un langage au pouvoir onirique. Elle porte en elle la continuité de la vie. Il existe en effet dans les œuvres de cette artiste, une humanité qui ordonne la pensée. Peindre est pour elle un acte rituélique. Le geste, qui prend possession de l’espace, créé des mondes nouveaux et entraîne le regard dans un dédale de formes douces. Une signalétique se développe, avec un aspect énigmatique qui séduit. Toile et métal deviennent alors des espaces scéniques, sur lesquels s’étalent en relief des formes émergentes qui font marcher l’imaginaire : formes hybrides ébauchées en état d’enfantement, sujets imbriqués dans une dépendance acceptée de couleurs, fœtus tête-bêche immergés dans le ventre de la peinture… Mais rien ni personne n’est enfermé. Jamais. Il existe toujours une échappée possible. En cela, les tableaux de Marie-Jeanne Faravel sont des promesses de bonheur.

Dominique Peloux-Raynal

MATEMMA

"Femmes du Monde"

Aquarelle et encre de chine sur papier
42 x 29,7 cm
2006

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"Peintre autodidacte, ma production de dessins et peintures commence de façon significative en 2002 suite à un évènement particulier. A cette date, ma capacité de peindre arrive à temps et c'est comme un p'tit arrangement avec la vie, je vais me mettre à peindre et à dessiner intensément. Hors des académismes et des apprentissages artistiques, mes créations sont issues d'un ressenti du quotidien car imprégnées d'images et de couleurs, j'aime me contenir dans l'univers pictural. Inspirée par mes rêves d'Afrique, là ou l'encre s'épanche, dense, où la multitude côtoie la solitude des différences, je suis constamment appliquée et impliquée à retranscrire ce qui me vient du monde de l'intérieur, au puits de mes états d'âme, je puise sans cesse tout au fond le flux des émotions sans que ne se tarisse ce qui me semble être la source inépuisable de la sensibilité."

Matemma

Jorges PORRAS

"The first Alchemist"

Acrylique, résine, encre et huile sur toile

27 x 22 cm

2006